Elliott Smith: Edición expandida 25 Aniversario

11/09/2020 Incluye la reedición remasterizada en vinilo de Elliott Smith + el álbum en directo nunca antes editado Live at Umbra Penumbra

Presentados con un cuidado libro realizado por el fotógrafo JJ Gonson

Ya disponible en plataformas digitales. El lanzamiento d…

Incluye la reedición remasterizada en vinilo de Elliott Smith + el álbum en directo nunca antes editado Live at Umbra Penumbra

Presentados con un cuidado libro realizado por el fotógrafo JJ Gonson

Ya disponible en plataformas digitales. El lanzamiento de los dos formatos físicos 2 LP y 2 CD será el próximo 25 de septiembre

Ya puedes ver el lyric video del tema nuevamente remasterizado de “Needle In the Hay”

“Temáticamente es el álbum más oscuro que escribió en su vida, pero también es uno de los más bonitos […] Tiene sentido que sus primeros fans fueran colegas de profesión como Lou Barlow y Mary Lou Lord: si escuchas con cuidado, puedes escuchar mundos enteros en sus arreglos” Pitchfork

“Así es como tendría que haber sonado Southern Belle si Smith hubiera metido a Quasi en el estudio para rehacer el tema a finales de los 90” - FADER

“La música de Elliott Smith vive en los corazones de muchos” - Under The Radar

“Un compositor en la cumbre de su talento” - Uproxx

“’Some Song’ del Live at Umbra Penumbra es verdaderamente una interpretación devastadora…” - BrooklynVegan

El impacto de la música de Elliott Smith no tiene límites. Ha sido admirado, versionado y sampleado por artistas que van desde Billie Eilish hasta Pearl Jam o Frank Ocean, y su característico y solemne sonido reverbera en el trabajo de bandas y artistas como The National, Phoebe Bridgers y Bon Iver. Para conmemorar el veinticinco aniversario del segundo álbum de Elliott Smith, titulado de forma homónina, Kill Rock Stars/UMGI publican Elliott Smith: Expanded 25th Anniversary Edition

Esta edición incluye una nueva remasterización del álbum original de Elliott Smith y un disco extra con las primeras grabaciones que se conocen de un Smith tocando en solitario en directo, desde el 17 de septiembre de 1994 en un café de Portland o en el Umbra Penumbra. Los discos vienen presentados en una caja que incluye un libro de tapa dura de 52 páginas con letras manuscritas, recuerdos de los amigos y colegas de Smith sobre su vida en el momento en que estaba componiendo y grabando este álbum, y dos docenas de fotos inéditas de la época realizadas por JJ Gonson, que fue el fotógrafo que hizo la foto de la portada (la foto original que se transformó en la portada también se puede ver aquí por primera vez).

Cuando Elliott Smith se publicó en julio de 1995, su música era tan distinta de los últimos coletazos del grunge – y del indie rock y el Riot Grrl asociados al sello Kill Rock Stars – que fue completamente ignorado por la prensa pero fue defendido por artistas de la talla de Beastie Boys o Fugazi. “Siempre he sentido que se ha menospreciado a este disco”, comenta Slim Moon, el fundador de Kill Rock Stars. “Un montón de gente ha mirado por el encima del hombro los dos primeros discos de Elliott – creen que son un mero preludio de los grandes discos que les siguieron – pero cuando echas la vista atrás, descubres que son geniales. Es la música más frágil y delicada de Elliott, y queríamos celebrarlo con una edición preciosa y especial”.

Para esta edición, el productor/ingeniero Larry Crane, el archivero oficial de la familia Smith, ha rebuscado entre archivos, cintas, cassettes y DATs para encontrar las fuentes más próximas a la primera generación original de mixes de Elliott y ha pasado días transfiriéndolo todo cuidadosamente y limpiando el audio de la cassette de alta calidad que le dio Casey Crynes de la actuación en Umbra Penumbra. “Existen mp3 de este concierto grabados por fans, pero cuando la gente escuche lo que se ha podido extraer de esta cinta original, van a alucinar”, dice Crane.

El concierto en el Umbra Penumbra muestra el contraste entre el directo de Smith y como trabajaba en el estudio. “Era más divertido en el escenario, haciendo chistes y juegos de palabras con lo que decía”, dice Gonson. “Elegía las palabras con mucho cuidado – admiraba mucho a Joni Mitchell y cómo escribía. Así que molaba mucho, escuchar una canción y de repente ver cómo la cambiaba”. Lo que surge de esta desafiante evolución creativa es un puñado de canciones con la intensidad y la intimidad de un cantante-cantautor acústico y también la fuerza de un rockero.

La conexión de Smith con la comunidad creativa de Portland, su hogar en aquel momento, está bellamente documentada a través de las fotos y recuerdos que se pueden encontrar en esta edición. Pocos años después de que saliera el álbum Elliott Smith, el mismo cantante reflexionaba sobre este trabajo que, de muchas formas, sentó la base de su imagen y su éxito, y finalmente su trágica carrera. “Creo que el disco creó esa imagen de que soy una persona muy oscura y depresiva”, comentaba, “pero creo que soy tan feliz como el resto de la gente que conozco. Que es de vez en cuando”.

Elliott Smith: Expanded 25th Anniversary Edition (Tracklist)

LP1 + CD1 – Elliot Smith Remastered

Needle in the Hay
Christian Brothers
Clementine
Southern Belle
Single File
Coming Up Roses
Satellite
Alphabet Town
St. Ides Heaven
Good to Go
The White Lady Loves You More
The Biggest Lie

LP2 + CD2 – Live at Umbra Penumbra

Some Song
Alphabet Town
Whatever (Folk Song In C)
No Name #4
Big Decision
Condor Ave
No Name #1
No Confidence Man
Crazy Fucker
Half Right

+ info

Dani De Morón

Creer para ver

08/09/2020 Nada escapa a los dedos de Dani de Morón y ‘Creer para ver’ es la prueba, también la confirmación, de que sus inquietudes siempre han sobrepasado las lindes del flamenco. Se percibe en este disco, el cuarto en su carrera, la suma de todo lo aprendido en los &…

Nada escapa a los dedos de Dani de Morón y ‘Creer para ver’ es la prueba, también la confirmación, de que sus inquietudes siempre han sobrepasado las lindes del flamenco. Se percibe en este disco, el cuarto en su carrera, la suma de todo lo aprendido en los últimos años. No solo en sus álbumes, también en las obras hechas con o para otros artistas.

“CREER PARA VER”, nuevo disco y concierto de Dani de Morón

Nada escapa a los dedos de Dani de Morón y Creer para ver es la prueba, también la confirmación de que sus inquietudes siempre han sobrepasado las lindes del flamenco. Se percibe en este disco, el cuarto en su carrera, la suma de todo lo aprendido en los últimos años. No solo en sus álbumes, también en las obras hechas con o para otros artistas, pues no solo ha acompañado a los más destacados cantaores y cantaoras vivos (El Pele, Estrella Morente, Arcángel o Rocío Márquez) y ha tocado para estrellas del baile como Patricia Guerrero o genios como Rocío Molina, sino que ha compuesto, por poner solo un ejemplo, parte del ambicioso El sombrero de tres picos de la Estévez/Paños Compañía, y se ha atrevido a musicar El perro andaluz de Luis Buñuel.

Por eso, referirse a Dani de Morón solo como guitarrista o solo como flamenco, sin incidir en que es ante todo un músico siempre es quedarse corto.

En su segundo álbum, El sonido de mi libertad, ya demostró su habilidad compositiva en clave jonda y en el tercero, 21, ratificó que se puede acompañar al cante sin perder ni robar protagonismo. Pero en Creer para ver Dani está solo de veras. Y quizás por eso, a falta de una garganta, su guitarra parece cantar a ratos, algo que ya hizo en su primer trabajo discográfico, Cambio de sentido. Se aprecia en la versión, bellísima y repleta de matices, que hace de “Ojos verdes”. Con ella, su autor demuestra que un músico total crea, pero también es capaz de darle nueva vida a piezas que parecían intocables e inmejorables. Oyéndolo revivir el clásico de León y Quiroga parece que su sonanta llora cantando: “Ojos verdes, verdes, que se han clavaíto en mi corazón…” Y por momentos, hasta parece que baila.

No se puede hablar de un disco de flamenco, tampoco decir que no lo sea. Claro que en Creer para ver hay palos, pero de algún modo, es lo de menos. Lo de más es que se identifica un sonido con nombre propio: da igual si va a compás de bulerías o de mariana, lo que hay en cada uno de los cortes es Dani de Morón, inconfundible, algo que otros artistas tardan una vida en alcanzar y que él, sin llegar a los 40, ya ha conseguido.

Esa rúbrica tiene varios atributos. Uno se encuentra en el modo en que estira la raíz, a la que va su autor pegado, no encadenado. La prueba más palpable son los homenajes de Creer para ver: a Avishai Cohen o Dhafer Youssef, que con dos temas emblemáticos como “Ani Maamin” y “Surah” suenan como si el israelí y el tunecino hubieran hecho un retiro espiritual en Morón de la Frontera. Ese es el don de Dani: que más que acercarse a otros géneros musicales, les regala su sonido, su historia y su bagaje. Dani los eligió por gusto, le acompañan desde siempre, pero cuando bautizó su disco Creer para ver no sabía qué significaban los títulos de esas canciones: la de Cohen es el “Yo creo” que cantaban los judíos en los campos de concentración y surah, cada uno de los 114 capítulos del Corán. Que él no lo supiera, no significa que sea casualidad: su cabeza funciona de un modo –ni en línea recta, ni siempre hacia adelante y más bien haciendo curvas– que impide saber qué va antes y qué después en todo lo que inventa Dani.

Por eso es imprescindible hablar de otro aspecto destacable en el toque que despliega en Creer para ver: la velocidad. No es el único guitarrista de la actualidad que en directo da la sensación de estar tocando dos guitarras a la vez, pero hay pocos que además, consigan que alguien crea oír instrumentos que no están: un piano, un contrabajo… Un ejemplo es la canción que le da nombre al disco, y en la que, como en el resto de temas, cuesta creer que haya solo dos manos ejecutando la pieza. Y como no es efectista, sorprende a quien le escucha: nunca remata igual, nunca acaba –a veces ni las cierra– las canciones de manera previsible.

Pero si Dani de Morón multiplica la guitarra, no es solo por su técnica. También lo logra porque incluye tanta información en cada composición, que en cada corte del disco se pueden intuir otros que están por venir. Por eso es generoso, porque en cada palo hay varios palos, en cada creación hay incluidas otras chiquitas, esbozos que en un futuro que para él ya es presente darán a luz nuevas canciones. De ese modo, y como hacen los buenos escritores que ofrecen varios niveles de lectura, Dani plantea a quien le pone atención, varios niveles de escucha. Y es que el espectador de Dani es, como él, ambicioso: sabe que si se sienta y escucha, gozará sin esforzarse. También que si quiere retos, no hay hoy otro guitarrista más capaz que el de Morón de planteárselos, pues nada de lo que garabatea, ejecuta o fragua Dani es simple ni es fácil. Precisamente por eso es tan satisfactorio.

Si eso es posible, es porque a pesar de su madurez como intérprete y creador, Dani de Morón sigue poniéndose a prueba. En Creer para ver hay un ejemplo claro: el de la soleá que aborda como si fuera un pintor con un estudio, es decir, con un cuadro en construcción con el que examina su pericia y el conocimiento acumulado. En su caso, Dani divide el palo en tres partes que son como tres historias contadas desde diferentes ángulos. Cada una tocada de diferente manera, a distinta velocidad, en todas exprimiendo su técnica y recreándose en ella, corroborando ese dicho tan flamenco que afirma que “el conocimiento la pasión no quita”. Se trata de una pieza que disfruta el debutante en materia musical y extasía al iniciado, no importa de qué género, pues si algo queda claro escuchando este trabajo es que para celebrarlo, al “ole” tradicional tendremos que añadir también un “bravo” y por supuesto, más de un “oh yeah”.

+ info

TODO EL CATÁLOGO DE RBD REGRESA A LAS PLATAFORMAS DIGITALES A PARTIR DEL 3 DE SEPTIEMBRE

28/08/2020 RBD
Anahí * Christian Chávez * Dulce María * Maite Perroni
*Christopher Von Uckermann * Alfonso Herrera

El grupo musical RBD surge en 2004 tras el éxito de la telenovela mexicana “Rebelde”, integrado por sus protagonistas Anahí,… + info

El viaje

28/08/2020 “Un misterio cuyo mayor misterio sea su claridad.
Un misterio que consista en mostrarse.”
Roberto Juarroz

Escuchar Farsa (género imposible) es hacer un viaje por territorios bien distintos. Cada canción, es un mundo. Un espacio nuevo e inesperado.
… + info

Lucas Vidal. “Karma”

27/08/2020 Existe un territorio dentro de la música en el que la tecnología y la tradición han podido encontrarse, dialogar con tranquilidad y compartir objetivos. Es un lugar alejado de los caminos principales, en el que el público mayoritario aún no ha fijado su ate…

Existe un territorio dentro de la música en el que la tecnología y la tradición han podido encontrarse, dialogar con tranquilidad y compartir objetivos. Es un lugar alejado de los caminos principales, en el que el público mayoritario aún no ha fijado su atención –hablamos de ese público que hoy, sobre todo, consume música a través de plataformas de streaming y redes sociales, y que persigue una gratificación inmediata y fugaz–, pero es un espacio amplio, prácticamente virgen, en el que se adivina un horizonte por conquistar. Y es ahí donde se están reuniendo muchos de los grandes talentos inquietos del presente.

Es difícil explicar cómo es ese lugar, y a veces tenemos que recurrir a fórmulas simplificadoras. Por ejemplo, diríamos que es donde se encuentran la música clásica y la música electrónica. Pero no hablamos de una suma de factores, en realidad, sino de una multiplicación: es un espacio de desarrollo estimulante para un tipo de música con vuelo ambicioso, arraigada en la extensa tradición occidental –tan extensa que, si tiramos del hilo, llegaríamos hasta la edad media–, y que ha encontrado un modo de seguir avanzando hacia el futuro. Es ahí, justo en la puerta de entrada, donde nos encontramos con Lucas Vidal, llamando con fuerza y entusiasmo.

A sus 36 años, Vidal todavía puede considerarse un joven compositor. Pero es, a la vez, un profesional consagrado que ha dejado su huella en la industria del cine en Hollywood y, en un sentido más extenso, en el audiovisual contemporáneo. Ha creado músicas incidentales para películas, grandes bandas sonoras (Fast & Furious 6, Palmeras en la nieve), temas para cabeceras de series (Élite), cortinillas para publicidad, diseños de sonido de todo tipo, y siempre ha estado manejando la más grande maquinaria que ha conocido la humanidad para crear música, la orquesta sinfónica. Cuenta que, siendo adolescente, en su habitación no había fotografías de sus ídolos del pop o del deporte, sino programas de mano del Auditorio Nacional firmados por los solistas más ilustres de la escena clásica que pasaban por Madrid. Si le hablabas de música baile, pensaba antes en un ballet clásico que en una rave. No era como los demás jóvenes, pero tenía una pasión.

Mucha gente podría pensar que la suya es es una posición extravagante, esnob e incluso aburrida en nuestra cultura actual, pero no lo es en absoluto: se trata de una inclinación coherente, apoyada en una curiosidad ávida, hacia uno de los grandes tesoros de nuestra civilización y su lógica continuación. De aquella pasión surgió un compositor que conoce los secretos de la orquesta y que, esto es lo más importante, sabe que en la paleta de la música sinfónica, como en cierto momento de la historia se añadieron también pianos, gongs, ondas Martenot, un cuarto oboe o una fila más de contrabajos, también era factible sumar instrumentos electrónicos modernos y técnicas de post-producción digital en la grabación final. La música sinfónica y la música electrónica de los últimos 50 años no son entes extraños, sino dos caminos alternos de una misma tradición que a veces se cruzan, y han funcionado juntos en la escena de vanguardia, y otras van han tomado sendas distanciadas. En los últimos tiempos, sin embargo, esos caminos han vuelto a coincidir, y parece que ya no se separarán más. La orquesta del siglo XXI necesita incorporar la tecnología, y a la tecnología le viene muy bien la calidez orgánica de unas cuerdas.

No hay un nombre consensuado para referirse a esa rama de la música actual en la que las herramientas tecnológicas y la tradición occidental –a la que llamamos clásica– se unen como si fueran viejos amigos que llevaban tiempo deseando verse. Se han manejado etiquetas como modern classical o indie classical, y ninguna de ellas es precisa, completa o útil, pero sabemos a lo que nos referimos. Hay una larga escuela de compositores contemporáneos que no deja de renovarse, en su mayoría formada por europeos, norteamericanos y japoneses, y pertenecientes a diferentes generaciones y campos de actividad primigenia –de Ryuichi Sakamoto a Max Richter, pasando por David Laing, Hans Zimmer, Francesco Tristano, Mason Bates o Elena Kats-Chernin–, que ha ampliado los confines de este espacio a partir de las bandas sonoras, el ambient, el pop, la música para ballet, la ópera, el techno o el programa sinfónico. Durante tiempo, este espacio estuvo alejado del discurso dominante en la música de consumo, ausente en los medios de comunicación, pero el público sabía llegar a él. Lo descubría en bandas sonoras de Hollywood, en festivales como Sónar, en sellos electrónicos con afán aventurero, le gustaba lo que escuchaba, y se quedaba.

Karma es, para Lucas Vidal, el primer intento serio de entrar en ese mundo que parece expresamente hecho para él. Tras varios años en la industria del audiovisual, la revelación le llegó, como a tantos otros compositores, a partir de un fogonazo de sentido común: hay una manera de prolongar la tradición clásica occidental con la herramienta más potente de la música presente, ya sean sintetizadores analógicos o programas de edición de audio. Es una opción tan instintiva como lógica, y que permite a los creadores escapar temporalmente, o para siempre, de componer al servicio de una imagen predeterminada –y, por extensión, sujeto al capricho de directores o estudios de cine– para trabajar con sentimientos propios, referencias privadas y ambiciones personales.

En su primer álbum lejos del mundo de las bandas sonoras, Lucas Vidal ha querido entrar con precaución en ese nuevo espacio que se abre ante sus ojos. Cuenta que no ha querido trabajar aún con la orquesta sinfónica al completo, con todo su potencial desplegado al más puro estilo wagneriano –ese será el objetivo de su próximo proyecto, que ya empieza a maquinar en su cabeza–, sino unir un pequeño conjunto, más cercano a la orquesta barroca o la del primer clasicismo, e infiltrar las texturas electrónicas, los beats y los efectos en los espacios libres de que iba dejando el ataque de las cuerdas. Ha decidido titular Karma al disco porque lo percibe como el resultado positivo de una buena acción previa, la recompensa feliz tras haber tomado la decisión de abandonar sus rutinas y su estabilidad en el trabajo para reinventarse como compositor.

Podríamos hablar de los temas de Karma uno a uno, pero Lucas indica que no hay ninguna ambición programática –es decir, la voluntad de explicar una historia, o conectar los sonidos a imágenes concretas– en su nuevo música. Como en el barroco, cada tema sugiere una emoción, un afecto, un tema melódico que se completa al final de la pieza, y como en el impresionismo, lo que dispara la inspiración es una idea fugaz atrapada al instante y desarrollada a partir del primer impulso, y que puede tener significados y generar sensaciones distintas en cada oyente. Es de esa manera como discurre Karma: a partir de la conexión entre emociones universales y un lenguaje reconocible, cercano e instalado en nuestro subconsciente cultural, pero llevado al presente. Karma es, en definitiva, ese tipo de obra que un compositor de la tradición europea puede hacer –y he aquí el resultado– sin abandonar sus raíces en una tradición de siglos, pero conectando con lo más inmediato de su presente.

Javier Blánquez

+ info

Universal Music Group

noticias destacadas

Elliott Smith: Edición expandida 25 Aniversario

Dani De Morón

Creer para ver

TODO EL CATÁLOGO DE RBD REGRESA A LAS PLATAFORMAS DIGITALES A PARTIR DEL 3 DE SEPTIEMBRE

El viaje

Lucas Vidal. “Karma”

twitter

facebook