Mi Historia

Danny Scher

Cuando produje el concierto de Thelonious Monk siendo un estudiante senior del instituto Palo Alto (Paly) en 1968, ya había decidido y deseado hacer carrera como promotor de conciertos.

 Mi amor por la música y en especial el jazz comenzó en la escuela primaria, tocando como batería del colegio, y continuó a lo largo de toda mi vida, hasta la fecha.  No era solamente la interpretación  de la música, sino el estudio de su historia. Quería tocar y enseñar música.  Como estudiante del instituto Jordan de Palo Alto, California, tuve una Dixieland Band, la Basin Street Jazz Band.  También realicé informes y di conferencias sobre la historia del jazz, desde los inicios del Jazz tradicional a las Big Band, el Be-Bop, el Straight Ahead, el West Coast, el Free Jazz, etc.

 Mi hobby era tocar, ir a conciertos y a clubs donde se admitía  a menores, intentando contactar con compositores y locutores de radio o colocando posters de conciertos para gente.  Esas personas fueron quienes me dieron los contactos de los artistas de jazz cuando les dije que quería organizar conciertos en Paly, utilizando la premisa de recaudar dinero para el International Club, del que yo era miembro, para convencer a los artistas de que viniesen a tocar a Paly.

 Mis dos ídolos eran Thelonious Monk y Duke Ellington, pero antes tuve que entender como producir y promover los eventos.  Estando en el instituto contacté con Vince Guaraldi, Jon Hendricks y Cal Tjader, todos vinieron a dar actuaciones con éxito a Paly.  Como yo no tenía edad para conducir, beber o firmar contratos, el director del instituto firmó los contratos de los artistas.  

Ya siendo estudiante de último grado en Paly fui elegido responsable de festejos, para organizar asambleas y bailes pero quería continuar produciendo conciertos.

 Contacté con el manager de Monk, acordamos las condiciones, recibimos los contratos que devolvimos firmados por el director. Yo seguía avanzando en mi propósito de promover a uno de mis ídolos. 

 Las entradas costaban dos dólares y no se estaban vendiendo.  El país estaba de luto por la muerte de Martin Luther King y Robert F. Kennedy y nuestra escuela, que era predominantemente blanca,  estaba promoviendo uno de los artistas negros más relevantes.  Estos temas nunca se me pasaron por la mente, porque en lo que respecta a la música, no veo colores. Siempre he visto la música como un modo de dejar las cosas, ya sean políticas o sociales,  en suspenso, como reflejadas en un espejo.

El departamento de policía de East Palo Alto, que era una ciudad predominantemente negra me advirtió que no pusiese posters en su comunidad porque crearía conflictos raciales si venía a actuar a Palo Alto High School.  Yo no les escuché porque tenía un concierto que promover.  Como las entradas seguían sin venderse, pregunté a las tiendas que frecuentaba y a personas de mi periódico Palo Alto Times que consideraran la posibilidad de realizar publicidad en un programa del concierto que se repartiría gratuitamente en el concierto.  Vendí suficientes anuncios para garantizar que, aunque no viniese nadie, habría dinero suficiente para pagar a Monk y a su grupo. 

 La gente no se creía que Monk fuese a aparecer, así que dos días antes del concierto le llamé al Jazz Workshop de San Francisco donde estaba actuando y donde yo no podía acceder por ser menor.  No había recibido un contrato formalizado de su parte y Monk dijo no saber nada del concierto y dijo que no sabía cómo iba a ir a Palo Alto a actuar y volver a tiempo para su concierto esa noche en el  Jazz Workshop. Le dije que mi hermano podía ir a San Francisco a recogerle y llevarle de regreso con su banda a tiempo para la actuación nocturna

 Con pocas entradas vendidas y el parking lleno de todos los afroamericanos de East Palo Alto, apareció un coche con el bajo asomando por la ventanilla.  La gente se fue a la taquilla y compró  las entradas.  Se agotaron las entradas pero Monk tenía hambre.  Mis padres cruzaron en frente y le trajeron algo de comer a él y a la banda.

 El concierto salió estupendamente y fue grabado por un conserje que pidió permiso para hacerlo si afinaba el piano. 

 Personalmente nunca presté atención a las consecuencias políticas o raciales del concierto salvo al hecho de que Thelonious Monk es alguien a quien todo el mundo debe escuchar, porque la música es un evento que une.

El 26 de Octubre de 1968 hubo una tregua entre Palo Alto y East Palo Alto.  Eso es lo que consigue la música. 

PS: El siguiente mes de Marzo produje un concierto de Duke Ellington terminé el instituto y me fui a la universidad.

PPS: Antes de licenciarme en Stanford fui manager y llevé la contratación de Jon Hendricks desde mi dormitorio. Después de licenciarme en Stanford produje todos los conciertos organizados por estudiantes.  Tuvieron tanto éxito que llamé la atención del promotor de San Francisco Bill Graham, que me contrató cuando terminé mi MBA.  Estuve trabajando con él 24 años.  Mis deseos del colegio se hicieron realidad.

Thelonious Monk – PALO ALTO (Impulse! Records)

 Para Thelonious Monk, 1968 fue otro año decisivo. 4 años antes había aparecido en la portada de Time Magazine que despertó la curiosidad y el interés por su singular estilo e idiosincrática música. Junto con Miles Davis, que consideraba al pianista su mentor, Monk grababa para el sello Columbia Records. Esa relación de 14 álbumes comenzó en  1962 terminando en 1968 con dos LPs, Underground y Monk’s Blues. Entre todos los reconocimientos de la crítica de esos años con Columbia, Monk disfrutó de continuas giras de conciertos  en icónicos clubes de jazz de Nueva York y San Francisco. En este periodo Monk demostró sus cualidades como líder e improvisador en el lugar más improbable: un domingo por la tarde en el pequeño escenario de 350 butacas del auditorio del instituto de la “pálida” ciudad de Palo Alto, en el sur de San Francisco (ahora parte de Silicon Valley). Ese histórico concierto del 27 de Octubre de 1968  producido por el adolescente Danny Scher  se lanzará por primera vez con Impulse Records como PALO ALTO.

 “La actuación es una de las mejores grabaciones que haya escuchado de Thelonious,” dice T.S. Monk, hijo del pianista/compositor, y maestro, batería y fundador del Thelonious Monk Institute. “Ni siquiera sabía que mi padre hubiera tocado en un instituto, pero así fue. Cuando escuché la grabación, desde el primer segundo, me di cuenta de que mi  padre se sentía realmente bien.”

 Los vibrantes 47 minutos del álbum muestran a la banda de Monk  (el saxo tenor Charlie Rouse, el bajista Larry Gales, el batería Ben Riley) interpretando su repertorio básico de concierto. Se incluye en el set la lírica pieza de Monk, “Ruby My Dear” (con Rouse insuflando la melodía y Monk acompañándolo en diagonal hasta que le toma la delantera para deslumbrar);  la dinámica y vivaz  “Well You Needn’t” con 13 minutos de duración y solos de todos los componentes; el cautivador solo del pianista en “Don’t Blame Me” de Jimmy McHugh; una épica danza con “Blue Monk” y una carga juguetona en ”Epistrophy.” El show termina con un bis truncado de Monk que avanza lentamente por el éxito Tin Pan Alley de 1925 de Rudy Vallée “I Love You (Sweetheart of All My Dreams)” y tras una ovación cerrada se despide porque tenían que llegar a tiempo  a su concierto vespertino en San Francisco esa misma noche.

 “Fue un placer absoluto,” dice Scher, mis dos ídolos de adolescencia eran Monk y Duke Ellington (de quien se hizo amigo entonces). “Adoraba a Monk, me encantaba su música, y disfrutaba produciendo, fue increíble ver a Monk bailar sobre el escenario y volver al piano a tiempo para seguir tocando. Hubo cero dramas.”

 “Este es uno de los ejemplos de lo importante que fue,” dice T.S. “Es un hito en la carrera de Thelonious. Y la historia que hay detrás es una conmovedora parte  del movimiento por los  derechos civiles en América.”

 En la época en la que tuvo lugar el concierto América estaba inmersa en la agitación social acentuada por los conflictos raciales. El 4 de Abril de 1968 fue asesinado Martin Luther King Jr., el poderoso valedor de forjar una alianza interracial. Dos  meses más tarde, el  5 de Junio, corrió la misma suerte Robert Kennedy, en medio de una campaña presidencial donde había declarado que los negros y los blancos pobres tenían un interés común: “Si se pueden conciliar estos dos grupos hostiles…podremos darle la vuelta a este país.”

 El 16 de Octubre, menos de dos semanas antes del concierto de Monk, dos estrellas del atletismo afroamericanos, Tommie Smith y John Carlos aceptaron sus medallas en los  Summer Olympics celebrados en DF, levantando sus puños en el podio como saludo reivindicativo de lucha por el poder y los derechos de su raza, mientras sonaba el himno nacional. Fue una osada protesta que causó mucha controversia y dio lugar a divisiones raciales.

 En esa época Scher era un polluelo de instituto apasionado del jazz haciendo de productor musical. Se puso en contacto con compositores y locutores de radio especializados en jazz, ayudaba a pegar posters de conciertos. Tocó la batería y se coló él mismo en los libros de la historia del jazz. Sin que sus padres lo supieran, con 15 años, hizo autostop para asistir al 10º aniversario del Festival de Jazz de Monterey para conocer a los artistas que admiraba. “La escena era completamente mixta,” dice. “Nunca había estado tan rodeado de afroamericanos, y nunca me habían recibido tan bien. Conseguí autógrafos de Duke Ellington y Ella Fitzgerald y, por sugerencia del batería de Duke, Louie Bellson, fui a ver a Art Blakey y a Elvin Jones. No fui consciente de ello entonces, pero la comunidad interracial me recibió con los brazos abiertos.”

 En su primer año en el instituto Palo Alto, Scher visitó la Universidad de Berkeley, en California,  para ayudar a la estudiante  Darlene Chan a realizar el primer Berkeley Jazz Festival. Scher colocó posters en su ciudad y cuando tuvo edad suficiente para conducir, fue  a recoger a artistas como Cannonball Adderley y Gil Evans al aeropuerto. Eso le inspiró para montar conciertos por su cuenta en su instituto. Con ayuda de  Chan y otro miembro clave de la escena jazz en Berkeley, Herb Wong, Scher empezó a contactar con artistas y a producir sus primer concierto con Vince Guaraldi y Jon Hendricks, presentando después a Cal Tjader. Convenció al colegio para permitirle cablear el anfiteatro para que los estudiantes pudiesen retransmitir sus programas en  Radio X—su programa de los jueves estaba completamente volcado en el jazz, por lo que los sellos discográficos le mandaban LPs para que los programara. Monk se convirtió en objeto de su devoción y, a través de Chan y Wong, consiguió el teléfono de su manager, Jules Colomby. Como Monk iba a actuar un día más en el  Jazz Workshop club de San Francisco, se pusieron de acuerdo para que el domingo por la tarde Monk actuase en Palo Alto por 500 dólares de caché . El director del instituto de Scher  firmó el contrato y se lo envío a  Colomby. Según se acercaba la fecha, Scher estaba preocupado: las entradas de  2 dólares no se vendían y no recibía noticias de parte de Monk. Puso posters por toda la ciudad y consiguió sponsors entre los clientes de su periódico local. Después cruzó la línea y se fue al barrio predominantemente afroamericano de East Palo Alto para avisar a sus residentes de que Monk venía a actuar a la ciudad.

 “La policía me dijo que era peligroso para mi y que  se podían crear disturbios raciales si hubieran asistido al instituto Palo Alto,” recuerda Scher. “Pero yo sabía que esa comunidad lo sabía todo acerca de Monk. Me crucé con unos chicos en un parking de East Palo Alto y les conté todos los detalles del concierto. Nadie me retó, ni me intentó desanimar, ni se burló de mi. Seguían sin creerse que les invitara a asistir al concierto. Así que vinieron y esperaron en el parking del instituto hasta que  Monk apareció antes de comprarse las entradas en la taquilla.”

 Monk casi no llega. Dos días antes del concierto Scher tuvo que llamar al club Jazz Workshop porque no permitían la entrada de menores. “Quería recordarle el concierto , pero él ni siquiera había oído nada al respecto,” dice Scher. “Dijo que no tenía coche, así que le pedí a mi hermano mayor, Les, que les fuese a buscar. Todo salió bien. Les llevó en su coche, con el bajo asomando por la ventanilla.  La gente vio a Monk se fue a la taquilla y  las entradas se agotaron. El concierto fue grabado por un conserje que pidió permiso para hacerlo a cambio de afinar el piano.  Conservó esa grabación durante 52 años”.

 “Lo primero es que el concierto es importante para los amantes de Monk,” dice T.S. “Danny había olvidado que tenía la cinta. Hace unos 15 años más o menos , estuvo limpiando su ático y encontró la cinta y contactó conmigo. Me dijo que quería editarlo él mismo pero yo le propuse que nos asociáramos.”

 Lo segundo, dice T.S., son las consideraciones de orden social de la época. “Es muy revelador el poder de integración de la música,” dice. “Ese nexo es muy importante. Hay un genio afroamericano respondiendo a un chico judío de 16 años en una comunidad racista. Eso es lo que hace tan importante a Thelonious. La gente consideraba a Monk como un artista asocial. Así se le vendía. A todo el mundo le gusta un genio loco. No le gustaba que se le retratase así, pero siguió adelante con esa campaña publicitaria para poder sacar adelante a su familia. Era un músico muy personal. Su leyenda es completamente opuesta a quién era como persona.”

 En Palo Alto, Monk tocó sintiéndose libre de la presión de la compañía discográfica y uniendo a un público, por encima de las restricciones raciales. En ese sentido el concierto fue un triunfo de la época.

 En las notas del álbum Scher escribe: “Nuestra escuela, que era predominantemente blanca, estaba promoviendo uno de los artistas negros más relevantes.  Estos temas nunca se me pasaron por la mente, porque en lo que respecta a la música, no veo colores. Siempre he visto la música como un modo de dejar las cosas, ya sean políticas o sociales,  en suspenso, como reflejadas en un espejo.

Personalmente nunca presté a tención a las consecuencias políticas o raciales del concierto salvo al hecho de que Thelonious Monk es alguien a quien todo el mundo debe escuchar, porque la música es un evento que une y yo deseaba producirlo.

 Scher dice que en el concierto no hubo ningún indicio de segregación racial evidente. Hubo una tregua entre Palo Alto y East Palo Alto. “La raza no fue un problema,” dice Scher, cuyo punto fuerte como productor le llevó a trabajar como pieza clave para el empresario Bill Graham en su compañía de producción BGP durante más de dos décadas. “Se puede escuchar lo feliz que estaba Thelonious tocando en ese concierto. La belleza de ese evento esa preciosa tarde. La gente dejó el recinto tras el concierto y volvió a casa a seguir peleando.”

—Dan Ouellette

MA es un disco grabado en el Blue Note de Tokyo en octubre de 2019 (la semana del tifón Hagibis). Después de dos años de gira Sílvia (voz y guitarra) y Marco (pianos) deciden grabar un disco en directo en Japón y que lleve por título MA: “para un japonés, MA es un concepto corriente, sin embargo, para un occidental no existe ningún término que lo identifique completamente, tan sólo podemos dar rodeos hacia su significado. Según el diccionario Iwanami Kogo Jiten de japonés antiguo, MA originalmente significa “espacio entre cosas que existen una cerca de la otra; es el intersticio entre ellas (…) En un contexto temporal es el tiempo o la pausa que ocurre entre un fenómeno y otro”. Literalmente MA significa “entre”. Existe MA entre personas, entre momentos, entre espacios, entre sonidos, entre notas...

El MA (…) puede vincular/separar dos mundos opuestos, o puede ser la transitoriedad entre un estado mental y otro.

 Los dos músicos llevan toda la vida aprendiendo y creciendo para llegar a hacer un concierto como este, donde el vértigo, el presente, el juego, lo sutil y lo bestial bailan por el escenario con generosidad y sin miedo. Donde todo lo aprendido está al servicio de la canción, el silencio y la emoción. No busquen estilos. ¿Por qué una canción en portugués puede emocionar a un japonés y a un catalán?

1.     Estrela, estrela

2.     Oración del remanso

3.     Mallorca i No trobaràs la mar

4.     Niño mudo

5.     No Surprises

6.     Barco negro

7.     Asa Branca

8.     Na nena (Tornada a Menorca)

9.     La llorona

10.  The Sound of Silence

11.  Siga el baile

12.  Christus Factus Est, Lonely Woman, My Funny Valentine

13.  Silvia’s song – Marco’s song

14.  Joia (arigato gozaimasu)

15.  Pequeño vals vienés

Sílvia Pérez Cruz: voz, guitarra

Marco Mezquida: piano

 Grabado en directo por Juan Casanovas en el Blue Note Tokyo en octubre de 2019.

Producido por Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida.

Mezclado y masterizado por Juan Casanovas. 

Kanji y diseño de portada: Mireia Miralles

Sílvia:

Me acuerdo un día hace unos quince años en clase de estética con Rubén López Cano, que nos explicaba la retórica musical. Al igual que existe el arte de hablar también existe el arte de saber contar desde la música. Empezó a crear paralelismos entre las dos retóricas y llegó un momento de la clase (que me afectaría especialmente para siempre) en que nos habló de “Aposiopesis”, que significa silencios expresivos, la fuerza del silencio para contar o transmitir una historia o emoción. Ese elemento tan concreto y abstracto me interesó tanto que quise hacer el proyecto de final de carrera sobre ello y empecé a analizar los distintos tipos de silencio, desde el más pequeño entre sonidos o palabras, entre frases, por contraste, dentro y fuera de la música. Empecé a buscar canciones. Rubén me presentó la canción “El niño mudo” que curiosamente acaba formando parte del repertorio de este disco mucho antes de saber su título. De hecho me guardaba esta canción por si algún día hacía un disco llamado “aposiopesis”, pero el primer día que quedamos para ensayar con Marco (solo fueron dos) pensé en una versión que no hubiera hecho antes y me salió esta canción (absurdo frenarlo).

Por otro lado, a nivel práctico, vivencial, recuerdo perfectamente la sensación que me creó el primer silencio consciente dentro de una canción, estaba cantando a dúo “Ojos verdes”. Sentir el protagonismo de su abismo y dejarle su espacio es de una brutalidad como cuando un niño te aguanta la mirada sin juzgarte, allí están todos los sonidos, allí estamos todos, al igual que en el blanco de la portada están todos los colores.

Con Marco, uno de los momentos en directo que más recibo como un regalo es cuando nos encontramos dentro de un silencio, dentro de una canción... recuerdo el primero dentro de “La llorona”... a veces vuelve, pero no cuando tú lo piensas, ha de ser de los dos para que sea, y es precioso que nazcan sin usar las manos, que ellos mismos busquen su hueco en nuestras respiraciones. Es muy emocionante y todo se pone en su sitio.

Cuando Marco me contó el significado de “MA” en Japón me pareció tan bestia y acertado que no podía no ser. Y me consta que él quería hacer un disco con ese nombre al igual que yo con otra palabra que significaba lo mismo. Era consciente  de que me enseñaba esa palabra como un secreto muy preciado, compartir el nombre era un acto más de generosidad que le daba más sentido a todo lo sentido y vivido mientras hacemos música, mientras somos música.

 Vimos que ese era el nombre.

Cuando decidimos a principios del confinamiento que el momento de salida de este disco debía ser precisamente ahora (por su sinceridad, crudeza, transparencia, por ser grabado en directo en un club pequeño e íntimo) nos releímos el significado de MA y de repente parecía que también definía este momento tan especial, hablaba de una pausa, de saber parar y mirar alrededor. Saber parar.

Parar.

No hacer.

Estar.

Ser.

Sentir.

Sílvia Pérez Cruz, abril de 2020

Marco:

Hace años, al finalizar un concierto en el Jamboree de Barcelona, se acercó hasta el camerino un señor japonés de unos 60 años y, de manera muy respetuosa, me dijo en inglés: “Me ha encantado tu MA... tu hermoso MA me ha llegado al alma. Gracias”. En ese momento le agradecí el comentario pero –con mucha curiosidad– le pregunté qué quería decir "MA". Un tanto sorprendido de que yo quisiera saber algo tan particular de su cultura, me explicó que MA es un concepto japonés, antiguo y difícil de explicar en palabras, porque tiene diversos significados pero que, resumidamente, para él venía a expresar “pausa”, “silencio”, “entre”; en resumen: “el silencio/pausa entre los sonidos”.

Continuó diciéndome que cada músico o artista debe encontrar su propio MA y que, según cada uno exprese sus sonidos y sus formas a través de esos silencios y espacios, el resultado será algo más o menos “bello”. Me explicó también que el kanji de MA (como se escribe con el silograma/dibujo japonés) está formado por dos caracteres: el central es la Luna, y el del contorno es una puerta. Me comentó que ese kanji narra una historia tradicional, con esa imagen de la puerta a través de la cual se cuela la Luna, y que en el kanji son tan importantes la puerta y la luna, como lo es también el aire o espacio que los rodea. Y concluyó con una frase para enmarcar: “I think MA is most important thing in the music field. Between sounds every musician has his or her own pause or silence”. (Creo que MA es lo más importante en el campo de la música.

Entre sonidos, cada músico tiene su propia pausa o silencio).

Entendí la profundidad de su cumplido y, desde ese día, además de que nos hicimos amigos y tengo un Otosan japonés en Tokio, esa explicación y ese kanji cambiaron para siempre mi manera de sentir y entender la música, me ha ayudado a apreciar el arte desde otro prisma mucho más profundo. La música no está en las notas sino “entre” las notas. Ese espacio es el que hace que algo tenga más profundidad o belleza.

Para mí, Silvia es una de las artistas con un MA más profundo y bello. Tan bellos son sus sonidos como impactantes y expresivos son sus silencios. Y en el momento en que Silvia y yo empezamos a hacer música juntos, sentimos que de manera muy natural, sin preverlo, sin forzarlo ni ensayarlo, sentíamos una fluidez y una flexibilidad en el tiempo, en el fraseo y en la manera de respirar, muy especial. Sin ser conscientes de ello, teníamos un MA complementario. Mientras volábamos a Japón para hacer los 8 conciertos en los Blue Note de Nagoya y Tokio, expliqué a Silvia el concepto de MA. También se sintió maravillada por ese concepto japonés y, ya entonces, visualizamos que en caso de grabar el Live in Tokyo, nos encantaría que esa imagen tan poética presidiese la portada. 

Esa intuición y ese MA que fluye tan natural entre nosotros está presente en la música de este directo desde Tokio, en el que no hemos querido suprimir ninguna respiración, suspiro, risa, gemido, ningún

silencio ni espacio. Aquí somos y estamos en plena esencia sin recortar nada de ese MA. ¡Que lo disfrutéis!

Marco Mezquida, abril de 2020

“Yellow Submarine” se estrenará en YouTube en un pase único este sábado 25 de abril a partir de las 18:00 de la tarde en

The Beatles’ Official YouTube Channel

#StayHome and Sing-A-Long #WithMe #YellowSubLive

Gracias a YouTube Premieres este sábado 25 de abril a partir de las 18:00 de la tarde se podrá ver a través del Canal Oficial de YouTube de The Beatles la versión animada de su film “Yellow Submarine” en versión Sing-A-Long en todo el mundo. La versión karaoke del restaurado film incluye las letras de las canciones en la parte de abajo de la pantalla para que todo el mundo pueda cantarlas al tiempo que lo hacen The Beatles.

La versión Sing-A-Long de “Yellow Submarine” se estrenó en cines en el año 2018 como parte de la celebración del 50 aniversario de la película y desde entonces no se ha podido ver más. El aclamado film contiene algunas de las canciones más conocidas de The Beatles, incluyendo el tema que le da título, "Eleanor Rigby,” "When I'm Sixty-Four,” "Lucy in the Sky With Diamonds,” "All You Need Is Love,” y "It's All Too Much."

●      QUÉ: The Beatles “Yellow Submarine” Sing-A-Long #StayHome y Sing-A-Long #WithMe #YellowSubLive

●      CUÁNDO: sábado 25 de abril a las 18:00

●      DÓNDE: exclusivamente en YouTube AQUÍ: https://www.youtube.com/watch?v=R8W5qJYFWOM&feature=youtu.be

YouTube Premieres es una de las herramientas que permite a los artistas crear anticipación y momentos únicos alrededor de la salida de un vídeo en YouTube. La herramienta transforma la manera en que los fans ven y se relacionan entre ellos con el contenido, al crear eventos donde los fans y los artistas pueden disfrutar de la experiencia conjuntamente de una forma interactiva. Premieres cambia radicalmente cómo se publica el contenido de un vídeo, transformando la experiencia de ver un vídeo en un momento comunitario.

La tres veces ganadora de un premio GRAMMY Sarah Jarosz acaba de anunciar la salida de su nuevo álbum de estudio el próximo 5 de junio, World On The Ground (Rounder Records), desde que publicara el último hace 4 años. Esta maravillosa colección de nuevas canciones – producidas por John Leventhal (Rosanne Cash, Elvis Costello) y grabadas en su estudio casero de Manhattan – es la continuación de su multipremiado álbum de 2016, Undercurrent (Rounder).

World On The Ground es una colección de historias reales e imaginarias que exploran la tensión y la inercia de la vida en una ciudad pequeña. Jarosz, nativa de Wimberley, Texas (población 2.626) y actualmente residiendo en la ciudad de Nueva York, explora el deseo de escapar en contraste con la facilidad de quedarse. El ábum está lleno de almas sensibles, vagabundos sin objetivos y soñadores de porches traseros. Sus historias están iluminadas por espaciosos e intrincados arreglos, la cautivadora voz de Jarosz y su detallada composición. Con un formato propio de una novela y un sonido inspirado en la composición clásica tejana, World On The Ground pinta un retrato que existe fuera de su tiempo.

Reserva ya el álbum y escucha el primer single, “Johnny”, que sigue el regreso de un viajero luchando con la dura realidad de que “un corazón abierto se parece mucho a la naturaleza salvaje”. https://found.ee/SJJohnny

World On The Ground toma su título de uno de los temas destacados del álbum, “Pay It No Mind”, en el que la sabiduría se transmite a través de la canción de un pájaro que contempla el mundo: “Cuando el mundo sobre el suelo está a punto de tragarte, tienes que no pensarlo”. El “pequeño pájaro que estira sus alas” de la canción aparece en la portada del álbum, un cuadro pintado por Erin E. Murray que los padres de Jarosz le regalaron.

Con 28 años, Sarah Jarosz ha ganado ya 3 premios GRAMMY. Además de su trabajo en solitario, también es miembro de una banda que también ha ganado un GRAMMY, I´m With Her y es invitada habitual en el programa Live From Here with Chris Thile. La multi-instrumentista comenzó tocando la mandolina a los 9 años y ganó su primera nominación a los GRAMMY a la edad de 18 años por su álbum de debut, Song Up in Her Head.

World On The Ground Tracklist:

Eve

Pay It No Mind

Hometown

Johnny

Orange and Blue

I’ll Be Gone

Maggie

What Do I Do

Empty Square

 Little Satchel

Sarah Jarosz:

Website: https://found.ee/SarahJaroszWebsite

Facebook: https://found.ee/SarahJaroszFB

Twitter: https://found.ee/SarahJaroszTwitter

Instagram: https://found.ee/SarahJaroszIG

YouTube: https://found.ee/SarahJaroszYT

ha adquirido los derechos de distribución mundiales del ya anunciado documental de Peter Jackson sobre The Beatles. El film mostrará la calidez, camaradería y humor de la banda en el momento en que grabaron el icónico álbum Let It Be, y su concierto final como grupo, la mítica actuación en la azotea de Savile Row en Londres. The Beatles: Get Back, se estrenará en EEUU y Canadá el próximo 4 de septiembre. La noticia la daba recientemente Robert A. Iger, Presidente Ejecutivo de The Walt Disney Company, en una reciente reunión del grupo Disney con sus accionistas.

“Ninguna banda ha tenido el tipo de impacto en el mundo que tuvo The Beatles, y The Beatles: Get Back consigue situarte en primera fila para ver trabajar de cerca a estos genios creadores en un momento trascendente en la historia de la música, con un espectacular material fílmico restaurado que parece que se hubiera grabado ayer”, dijo Iger en el anuncio. “Yo mismo soy un gran fan, así que no puedo estar más contento de que Disney sea capaz de compartir el impresionante documental de Peter Jackson con el público de todo el mundo en Septiembre”.

presentada por The Walt Disney Studios en asociación con Apple Corps Ltd. Y WingNut Films Production Ltd. es una nueva colaboración entre The Beatles, la banda más grande de todos los tiempos, y el tres veces ganador de un Oscar® Peter Jackson (El Señor de los Anillos). Con material extraído de 55 horas de metraje inédito, filmado por Michael Lindsay-Hogg en 1969, 140 horas de, en su mayoría, audios inéditos extraídos de las sesiones de grabación para el álbum Let It Be, The Beatles: Get Back está dirigido por Jackson y producido por el mismo Jackson, Clare Olssen (They Shall Not Grow Old) y Jonathan Clyde, con Ken Kamins y Jeff Jones (Apple Corps) como productores ejecutivos. 

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Peter Jackson ha comentado, “Trabajar en este proyecto ha sido un descrubrimiento fantástico. He tenido el privilegio de estar, como quien dice, ‘presente’ mientras la banda más grande del mundo, toca y crea obras maestras. Estoy emocionado de que Disney sea la distribuidora de nuestra película. No hay forma mejor de que vean nuestra película la mayor cantidad de gente”.

comenta, “Estoy realmente contento de que Peter haya escarbado en nuestros archivos para hacer una película que muestre la verdad sobre los Beatles cuando grabábamos. La amistad, el amor que nos teníamos se muestra perfectamente y me recuerda aquel tiempo increíbleme loco que pasamos juntos”.

Ringo Starr comenta: “Estoy deseando ver la película. Peter es genial y moló muchísimo echar  un vistazo a todo el metraje que había. Había horas y horas de cintas en las que aparecíamos tan solo riéndonos y tocando música, nada que ver con las versiones que salieron al final. Había una alegría tremenda y Peter lo mostrará con el documental. Creo que en esta versión habrá mucho mas ‘peace and love’, como realmente éramos”.

The Beatles: Get Back se ha realizado también gracias al apoyo entusiasta de Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison.

A pesar de que el film original Let It Be, dirigido por Michael Lindsay-Hogg y el álbum que la acompañó, fueron filmados y grabados en enero de 1969, no vieron la luz hasta mayo de 1970, tres semanas después de que The Beatles hubieran oficializado su separación. La respuesta al film en aquel tiempo por parte de los críticos y el público estuvo asociado principalmente con el anuncio de la ruptura. Durante el espacio de tiempo de 15 meses que pasó entre la filmación de Let It Be y su estreno, The Beatles grabaron y publicaron su álbum final de estudio, Abbey Road, que saldría en septiembre de 1969.

Filmado en 16 mm y ampliado a 35 mm, la película de 80 minutos Let It Be fue producto de tres semanas de grabación, incluyendo una versión editada del famoso concierto en la azotea. Let It Be, el álbum, ganador de un premio GRAMMY®, alcanzó el top de las listas de ventas en EEUU y Reino Unido.

El nuevo documental nos ofrece mucho más que las íntimas grabaciones de la banda durante las sesiones de grabación para Let It Be y su actuación completa de 42 minutos en la azotea de las oficinas de Apple en Savile Row en Londres. Así como durante los primeros tiempos de extensas giras de The Beatles abundan las grabaciones, The Beatles: Get Back incluye el único buen metraje de la banda trabajando en el estudio, capturando a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr mientras creaban sobre la marcha canciones que son ahora clásicos, mientras se lo pasaban bien, riendo, bromeando y jugando con la cámara.

Grabado el 30 de enero de 1969, el concierto sorpresa de The Beatles en la azotea marcó la primera actuación en directo de la banda en casi dos años y se convirtió en el último directo de los 4 juntos. El material captura las interacciones entre los miembros de la banda, la reacción de los fans y de los trabajadores de las tiendas de los alrededores y los cómicos intentos de parar el concierto por parte de dos jóvenes policías de Londres que acudieron respondiendo a las quejas por el ruido.

Una versión completamente restaurada del film original Let It Be también estará disponible un poco más tarde.

Sobre The Walt Disney Studios:

Durante casi 95 años, The Walt Disney Studios ha sido la base sobre la que The Walt Disney Company se construyó. Hoy nos ofrece películas de calidad, historias clásicas, música y obras para consumidores de todo el mundo. The Walt Disney Studios está formado por una serie de respetadas marcas de cine, incluyendo Disney, Walt Disney Animation Studios, Pixar Animation Studios, Disneynature, Marvel Studios, Lucasfilm, 20th Century Studios, Searchlight Pictures y Blue Sky Studios. También es el hogar de Walt Disney Records, Hollywood Records y Disney Theatrical Productions, creador de espectáculos teatrales de prime orden en todo el mundo.

Sobre Apple Corps Ltd.:

Apple Corps Ltd. fue fundada por The Beatles en 1968 para supervisar los intereses creativos y de negocios de la propia banda. Controladores del canon de propiedad intelectual completo de The Beatles, la compañía con base en Londres administra el legendario catálogo de grabaciones de la banda junto con los derechos de publicación de películas, obras y libros.

Sobre WingNut Films Ltd.:

WingNut Films tiene base en Wellington, Nueva Zelanda y fue fundada por Peter Jackson y Fran Walsh. WingNut Films ha producido todas las películas de Peter Jackson, incluyendo “Heavenly Creatures,” “The Lord of the Rings”, “The Hobbit Trilogies,” “King Kong,” “The Lovely Bones” y el documental recientemente aclamado por la crítica sobre la Primera Guerra Mundial, “They Shall Not Grow Old”. WingNut también ha producido “Las aventuras de Tin Tin”, dirigida por Stephen Spielberg, “Distric 9”, dirigida por Neill Blomkamp, “West of Memphis”, dirigida por Amy Berg y “Mortal Engines”, dirigida por Christian Rivers.